Французьке мистецтво кінця 19 — початку 20 століття. Демократична графіка

Французьке мистецтво кінця 19 - початку 20 століття. Демократична графіка

Теофал' Олександр Стейнлен. Демократичний^-демократичні-революційно-демократичні тенденції одержують у цей час розвиток головним чином у французькій графіці, насамперед у творчості Теофиля Олександра Стсйплена(1859-1923). Його мистецтво різноманітно по тематиці, однак провідне значення одержує в ньому правдиве й співчутливе зображення народного життя. У численних малюнках, літографіях, офортах Стейилена, а також у ряді його мальовничих робіт перед нами проходять різноманітні сцени праці, побуту, розваг паризького трудового люду, живі й характерні образи робітників і робітниць, жебраків, бездомних бурлак. Демократичне у своїй основі творчість Стейнлена відзначена гуманізмом і соціальною спрямованістю. У своїх політичних сатирах Стейнлен, розвиваючи традиції мистецтва Домье, сміло викриває соціальну несправедливість, дає гостру критику сучасної капіталістичної дійсності (літографії «У сміттєвого ящика», 1894, «Локаут», 1893; «Злодій», 1897). У ряді інших робіт художник зображує й революційну боротьбу французького народу (літографії «Страйк», 1898; «Визволителька», 1903). Стейнлену властиве вміння вибрати переконливу й гостру ситуацію, його роботи відрізняються простотою і ясністю композицій, влучністю й виразністю характеристик, високою якістю виконання. Художник мав більший агітаційний талант, його роботи красномовні й доступні й не мають потреби в словесних коментарях. Плакати Стейнлена належать до кращих зразків цього виду мистецтва у Франції - вони барвисті, лаконічні, виразні (плакат «Вулиця», 1896; плакат газети «Пти Су»).

Творчість Стейнлена, перейняте передовими ідеями епохи, відзначене великою суспільною активністю, з'явилося важливим етапом у розвитку прогресивного західноєвропейського мистецтва

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Англійське Мистецтво Першої Половини 19 Століття. Норичская школа

Англійське Мистецтво Першої Половини 19 Століття. Норичская школа

Важливим кроком у розвитку реалістичного пейзажу з'явилася діяльність групи художників, що працювали на початку 19 століття на околицях маленького провінційного містечка в східній Англії - Норича, що одержала назву Норичской школи. Найбільш великим майстром цієї школи був її засновник і керівник Джон Кром Старий (1769-1821). Кром і його послідовники намагалися безпосередньо зображувати натуру, вони писали прості, невибагливі, типові для англійської природи сільські мотиви. Характерним прикладом робіт Крома Старого може служити його «Пейзаж із млином» (Лондон, Національна галерея), що зображує вітряний млин на вершині пагорба, що поростив убогою зеленню, і внизу, у балці, фігуру селянина верхи на маленької, худої й кошлатої сільській лошаденке.

У живописі Крома Старого позначалося прагнення відійти від декоративної пишності офіційної школи, знайти просте й скромне колористическое рішення, що відповідає простоті зображеного мотиву природи. Однак пошуки цього рішення не були доведені Кромом до завершення, він зупинився на об'єднанні колірної гами коричнюватим загальним тоном, що з'явився результатом недостатньо глибокого розуміння голландських зразків

Джон Констебль. Завдання ця була дозволена у творчості найбільшого майстра англійського реалістичного пейзажного живопису Джона Констебля (1776-1837). Джон Кром у молодості працював малярем у майстерні каретника, а Констебль змолоду, як і його батько, займався ремеслом мірошника. В 1800 році він надійшов в Академію мистецтв. Найбільше він працював на околицях Лондона й у районі Солсбері в південній частині Англії. Академічні кола не надавали великого значення його прекрасним реалістичним картинам, і тільки голосний успіх пейзажів Констебля за рубежем - в 1824 році в Парижу й в 1825 році в Ліллі - повів до обрання його в 1829 році вакадемики.

Констебль із винятковою увагою працює над етюдами. Він прагне точно запам'ятати стан природи в конкретних атмосферних умовах і в певний час дня, найчастіше записуючи на звороті полотна дату, годину й погоду в момент написання. Етюди Констебля написані широко й вільно, причому це ніколи не шкодить точній передачі предметності зображеного. Під широким і швидким мазком завжди відчувається серйозна малювальна основа, міцне знання форми предмета. Констебль органічно зв'язує у своїх картинах землю й небо точною передачею світлотіньових і колірних відносин, правдивим зображенням вологої атмосфери Англії, що зм'якшують обриси предметів і змінює їхнє фарбування в міру видалення від глядача. При всій точності передачі видимого Констебль у той же час ніколи не випускає з очей призначення етюду - служити підставою для створення картини. Тому у всіх його етюдах відчувається продуманість композиції й та строгість відбору й розташування зображуваних предметів, що надає многим його етюдам характер ескізів майбутніх картин

У своїх закінчених картинах Констебль докладно розробляє деталі, користується набагато більше стриманою мальовничою манерою, але зберігає, незважаючи на це, свіжість і правдивість передачі стану природи

Новизна реалістичного пейзажного живопису Констебля визначається насамперед тим, що він прагнув знайти досконалість «у первісному джерелі краси - у природі». Він відмовляється від панорамних ефектів і в зображенні приватного шматка природи дає цілісне мальовниче відчуття, у фрагменті змушує відчути характерне явище, загальне, що носить особливий специфічний англійський характер. Він передає світло й тіні кольором, використовуючи систему тонких валерных відносин. Реалістичний образ природи в його добутках постійно насичений більшим поетичним почуттям, богатыми емоційними переживаннями

«Собор у Солсбері» в обох варіантах (етюд у приватній колекції в Рамсдене й картина в Музеї Вікторії й Альберта, 1823) представляє зразок композиційної побудови, заснованого на пластичному протиставленні органічних форм зелені й архітектонічних мас собору, що зливаються в єдине мальовниче ціле. «Візок для сіна» (етюд у Національній галереї, картина в Музеї Вікторії й Альберта, 1821) є чудовим зразком передачі простору мальовничими засобами з використанням пастозної манери для створення м'якої світлової атмосфери. «Хлібне поле» (1825, Лондон, Національна галерея) - правдиве й поетичне зображення англійського ландшафту, « кінь, ЩоСкакає,» (етюд у Музеї Вікторії й Альберта, картина в Королівській академії, 1825) надзвичайно смів написаний у скупій коричнево-сірій гамі, динамічна по композиції, відрізняється бурхливим, неспокійним ліпленням форми. Всіма цими досягати^ся способами загальне тривожне, майже драматичний настрій. Етюди, по суті, являють собою закінчені добутки, написані в тім же форматі, що й картини. Вони написані більше сміло й виразно, без тих згладжувань фактури й деталізації малюнка, які Констебль вносить у картини, призначені для продажу, зважаючи на пануючі смаки

Ричард Паренню Бонингтон. До числа видатних пейзажистів належав також Ричард Паренню Бонингтон (1801-1828). Художня діяльність Бонингтона протікала переважно у Франції. Він учився в майстерні Гро, дружив з Делакруа й разом з декількома французькими малювальниками брав участь у створенні «Альбомів мальовничих подорожей», у яких зображувалися види стародавніх міст, прославлені історичні місця й пейзажі Франції. Прикладом його малюнків для «Альбомів» є «Вид Руана» з уважно переданою повітряною перспективою й влучно спостереженою характеристикою стародавнього портового міста

У своїх фігурних композиціях Бонингтон примикає до французьких романтиків, але в той же час його пейзажна творчість залишається цілком англійським, вихованим на традиціях і досвіді національної школи пейзажного живопису. Близькість Бонингтона до Констебля доводиться поруч його робіт, у тому числі «Видом у Версалі» (Лувр). Мистецтво Бонингтона з'явилося живою ланкою зв'язку між англійським і французьким живописом у той період, коли в результаті тривалих воєн художній обмін між цими країнами був до крайності ослаблений. У цьому значною мірою полягає значення його творчості для подальшого розвитку європейського живопису

Джозеф Тернер. Особливе місце в розвитку англійського пейзажного живопису займає Джозеф Меллорд Вільям Тернер (1775-1851). В 1789 році він почав своє навчання в Академії мистецтв, а вже в 1802 році був вибраний академіком. Тернер був досить плідний і мав величезний успіх на батьківщині

Почавши із простих і кілька сухуватих реалістичних пейзажів своєї батьківщини, Тернер незабаром переходить до створення більших пейзажних картин переважно на античні сюжети, у яких він намагається наслідувати Клоду Лоррену. У таких добутках Тернера, як «Улисс і Полифем» (1829, Лондон, Національна галерея) або «Грот королеви Меб» (1846, Лондон, Національна галерея), він використовує систему висвітлення, вироблену Клодом Лорреном. Яскраве світло, що ллється із глибини, залишає в тіні середній план і висвітлює своїми відблисками перший план картини. Цей прийом дозволяє передавати рідкісні стани природи й світлові ефекти, що виникають при заході або сході. Тернер намагається підвищити колірне звучання цих ефектів, довести їх до перебільшеної напруги. Він пише свої сходи й заходи повышенно яскравими, чистими тонами - пурпурними, жовтогарячими, синіми, найчастіше заливаючи всю картину яскравим світлом і залишаючи в ній лише мінімальна кількість тіней. При цьому конкретна матеріальність зображуваного нерідко розчиняється й послабляється. «Останній рейс корабля „смелый"» (1839, Лондон, Національна галерея) є одним з найбільш значних добутків Тернера. Незграбний колісний пароплав з високою трубою, з якої виходять густі клуби диму, веде на зламування гордий вітрильний корабель «Сміливий», що зіграв колись своя роль у морських боях початку 19 століття. Контраст між освітленими призахідним сонцем стрункими щоглами й гарними плавними обводами лінійного корабля й частково його заслоняющим чорним, покритим вугільним пилом буксиром виражає контраст між старим, що йде й новим, що пришли йому на зміну

В «Останньому рейсі корабля "Сміливий"» Тернер відмовляється від старих правил композиції. У цій картині немає більше симетричного розташування мас. Він зрушує всі зображені предмети в ліву частину картини й урівноважує ці щільні матеріальні маси тільки полум'яною кулею сонця, що низько коштує над обрієм серед темних хмар, так світлою доріжкою, що біжить від нього по поверхні морячи

Останнім великим добутком Тернера з'явилася його картина «Більша Західна залізниця», інакше називана «Дощ, пара й швидкість» (1844, Лондон, Національна галерея). На ній зображений поїзд, що йде по віадуку в бурхливу погоду. Усе розпливається в бузковій імлі, у якій тануть обрису предметів, губиться форма й щільність усього зображеного. Тут світловий ефект є єдиною метою зусиль художника

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архітектура європейських країн середини й другої половини 19 століття. Еклектизм

Архітектура європейських країн середини й другої половини 19 століття. Еклектизм

Еклектизм, що зміцнився в 30-х роках, з'явився архітектурно-творчим методом усього 19 століття

Важливим фактором у розвитку архітектури розглянутого періоду був швидкий і рішучий прогрес будівельної техніки, що обумовив корінні зміни в застосовуваних матеріалах і конструкціях

Уже з початку 19 століття в будівництві почали активно використовуватися метали - чавун, потім залізо; у другій половині сторіччя був здійснений перехід до сталі, пізніше почав застосовуватися залізобетон. З кожним десятиліттям роль нових будівельних матеріалів усе більше зростала, однак протягом довгого часу вони розглядалися як допоміжні й ховалися під кам'яними оболонками або ж здобували старі, не властиві їм, декоративні форми

Будівельна техніка в умовах 19 століття значно просувається вперед, прогресує, у композиційному ж відношенні архітектура, навпаки, звертається назад, до давно, що відійшли в область історії стилям. Між технічною й художньою сторонами архітектури виникають «ножиці», які із часом розходяться усе більше й більше.

Уже в 1830- 1840-х роках у Франції, Німеччині, Англії з'являються будівлі, на вигляді яких відбилися захоплення їхніх авторів ранньохристиянською, готичною, мавританською архітектурою, флорентійським ренесансом

В 1840-1860 роках архітектором Чарльзом Берри разом з Огастесом Пьюджином будується в Лондоні велика будівля Парламенту, цілком здійснене у формах англійської готики. Будівельники цього спорудження мали мета якнайближче підійти до характеру справжніх споруджень готичного стилю

Подібне копіювання стилів минулого відзначається й в інших спорудженнях цього часу

З 1861 по 1875 рік у Парижу зводиться будівля Великої опери (архітектор Шарль Гарнье), пишна обробка якого відтворює декоративні форми європейського барокко 17 століття. Фасад і інтер'єри театру буяють ліпними декоративними деталями. Особливо багате оформлення парадних сходів і фойє, виконаних з кольорових мармурів і бронзи

У другій половині століття в Берліні й Будапешті були зведені великі суспільні спорудження. Будівля Парламенту в Будапешті було побудовано архітектором И. Штейндлем (1855-1870). Загострена форма купола, башточки й пинакли, стрілчасті арки, контрфорси надають цьому цілком сучасній будівлі «середньовічний», «готичний» характер. Рейхстаг у Берліні був створений по проекті архітектора Пауля-Валло (1884-1894). Вся декорировка спорудження виконана в « ренессансно-барочному» стилі

Одночасно з Рейхстагом на площі Лустгартен архітектором Юлиусом Рашдорфом був зведений головний берлінський собор (1893), також вирішений у формах барочної архітектури

Всі ці будівлі мають цілком сучасні плани, у них застосовані металеві й інші нові конструкції, але архітектурно-декоративні форми засновані винятково на копіюванні й змішанні мотивів старих, «історичних» стилів

Для розширення подань художніх кіл про середньовічну архітектуру, інтерес до якої в цей час був особливо великий, велике значення мала діяльність видного французького архітектора, ученого археолога Виолле ле Дюка (1814-1879), що реставрував науковими методами капелу Сен-Шапель, собор Паризької богоматері й замок Пьерфон.

Крім названих вище великих будівель 19 століття, оформлених «у різних стилях», можна виділити ряд сучасних їм споруджень, у яких давалося інше, принципово нове архітектурне рішення

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Французское искусство конца 19 — начала 20 века. Неоимпрессионизм

Французское искусство конца 19 - начала 20 века. Неоимпрессионизм.

К середине 1880-х годов кризис импрессионизма обозначился вполне определенно. К этому времени лучшие произведения импрессионистов уже были созданы, и возможности импрессионистического метода в значительной мере исчерпаны. Некоторые представители этого течения, в частности Ренуар, отошли от него и пошли самостоятельными путями. В 1886 году на последней выставке импрессионистов была показана картина Сера «Воскресная прогулка в Гранд-Жатт» (Чикаго, Институт искусств), которая знаменовала отход от существенных принципов импрессионизма. Жорж Сера (1859—1891) и Поль Синьяк (1863—1935) явились создателями нового течения во французском искусстве, получившего название неоимпрессионизма, или «пуантиллизма». В отличие от импрессионистов, основывавших свое искусство на зрительном впечатлении, эти художники стремились подчинить свой метод научным физическим и математическим законам. Используя некоторые приемы импрессионизма, в частности дивизионизм, неоимпрессионисты довели их до крайнего схематизма и абстракции. Они стремились фиксировать образы и предметы видимого мира путем нанесения на холст мелких мазков чистых тонов спектра, что привело их к условности, однообразию и ограниченности в трактовке действительности.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Мистецтво Німеччини Середини й Другої Половини 19 Століття. Академічний живопис

Мистецтво Німеччини Середини й Другої Половини 19 Століття. Академічний живопис

Академічний живопис у Німеччині, пользовавшаяся урядовою підтримкою, продовжувала відігравати істотну роль у художнім житті, але являла собою ще менш значне явище, чим французький академізм. Найбільш впливової була мюнхенська Академія на чолі з історичним живописцем К. Пилоти (1826-1886). Його театралізовані добутки, нерідко пов'язані із пропагандою реакційних ідей і католицизму, впливали на багатьох вихованців німецьких Академій. До відродження монументального живопису прагнув А. Фейєрбах (1829-1880), але цей обдарований художник шукав нового в рамках того ж академічного класицизму, нерідко впадаючи при цьому в надуману стилізацію. Позбавлено конкретності й дії картини Г. фон Марі (1837-1887). До яких би античних сюжетів художник не звертався, він без кінця варіював мотив оголеного тіла на повітрі. У його композиційних групах є почуття ритму, монументальної простоти; вони відрізняються від академічних полотен широкою манерою листа, барвистістю, але зовсім відірвані від дійсності

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Мистецтво Інших Країн Західної Європи Кінця 19 — Початку 20 Століття. Демократичне мистецтво Бельгії

Мистецтво Інших Країн Західної Європи Кінця 19 - Початку 20 Століття. Демократичне мистецтво Бельгії

Костянтин Менье. Серед майстрів світового демократичного мистецтва треба насамперед назвати найбільшого бельгійського живописця й скульптора Костянтина Менье (1831-1905). Він жив і працював у Бельгії в той період, коли ця невелика, але передова індустріальна країна переживала підйом революційно-демократичного руху. Це знаходить своє вираження в демократичній спрямованості творчості Менье, нерозривно пов'язаного з життям бельгійського народу

Менье одержав художнє утворення в Брюссельській Академії, де він вивчав і живопис і скульптуру. На формування його творчості зробили, вплив майстра бельгійського реалізму середини століття, у першу чергу де Гру. До початку 1880-х років Менье працював винятково як живописець. Його перші добутки - картини на релігійні й історичні сюжети («Селянська війна», 1875, Брюссель, Музей сучасного мистецтва). Потім усе більше сильним стає інтерес художника до народного життя («Тютюнова фабрика в Севільї», 1889, Брюссель, Музей сучасного мистецтва, - картина, написана під враженням поїздки в Іспанію). На початку 1880-х років після відвідування вугільного району Бельгії - Боринажа Менье остаточно присвячує своя творчість зображенню робітників. У його картинах відбита важка праця углекопов, їхній бідна радостями, сувора життя, мужні образи робітників і робітниць («Воззвращение із шахти», Брюссель, Музей Менье). Менье - один з перших майстрів індустріального пейзажу; природа на його полотнах завжди з'являється нерозривно пов'язаної з людиною, перетвореної його працею. У цих пейзажах художник передає похмуру велич індустріальних ландшафтів, уміючи помітити своєрідне мальовниче багатство «чорної країни». Картини Менье відрізняються монументальністю композицій, широтою й сміливістю техніки, матеріальністю живопису, більшим колористическим розмаїтістю в межах дуже стриманих колірних рішень. Він передає дійсність правдиво, виразно й узагальнено, очищаючи її від всіх дріб'язків і частковостей

Дарування Менье особливо повно розкрилося в скульптурі, до кототой він звернувся після довгої перерви, у п'ятдесятилітньому віці, на початку 1880-х років. І в пластику Менье, як і в його мальовничих добутках, що веде місце займає образ робітника. В основі цих робіт не тільки глибоке вивчення натури, але й гаряче співчуття художника до тих, кого він зображує. Менье не прагне до створення підкреслено індивідуалізованих образів. Його «Молотобоєць» (1885, Брюссель, Музей Манье), «Сівач» (1895, Брюссель, Музей Менье) - образи типового значення, наділені рисами великого соціального узагальнення. Жоден із сучасників Менье не досягав такої переконливості в передачі трудового стану, трудової напруги людської фігури. Разом з тим у роботах Менье глибока життєва правда сполучається з монументальністю й значущістю образів, з умінням підкреслити фізичну й моральну силу й достоїнство простої людини. Це відчуття сили властиве навіть такій роботі Менье, як «Пудлинговщик» (1886, Брюссель, Музей стародавнього мистецтва), у фігурі якого чудово передані вага праці робітника, утома, що скувала його могутнє тіло

Ті ж риси характеризують і жіночі образи Менье - образи мажественных, вольових і стійких бельгійських пролетарок. Така, зокрема, «Манлива откатчица» (1888, Брюссель, Музей Менье) - виразна фігура молодої робітниці, сповненої енергії і юнацького запалу

Разом з тим Менье запам'ятав і трагічні події життя шахтарів. Один із самих драматичних добутків скульптора - «Рудничний газ» (Брюссель, Музей Менье) - зображує жінку, що схилилася над обгорілим трупом углекопа. Ця група, дуже сміло й своєрідно побудована, виконана глибокої емоційності й переростає в узагальнене вираження народного горя

Присвятивши своє мистецтво трудовому народу, Менье не зображує його боротьбу. Однак потужний розмах робочого руху на початку 1900-х років знаходить висвітлення в його творчості, насамперед у знаменитій фігурі «Антверпенского вантажника» (1905, Брюссель, Музей Менье). Цей образ пролетаря вражає не тільки фізичною міццю, але й активною внутрішньою силою, упевненістю й натхненністю

Всі добутки Менье відзначені високою майстерністю виконання й умінням додати героїчний характер і значущість самим повсякденним явищам. Не втрачаючи точності й предметності в передачі натури, він уміє виділити в ній саме основне, характерне. Звідси - монументальність, завжди властивим його роботам. Його скульптури відрізняються простотою, цілісністю й виразністю силуету, спокоєм і зовнішньою стриманістю рухів при великій внутрішній напруженості й силі. Менье було властиве глибоке розуміння специфіки скульптури, прекрасне почуття пластичної форми, що він моделює впевнено, енергійно й узагальнено.

Завершенням творчого шляху Менье була його робота над пам'ятником праці, для якого він створив цілий ряд фігур і рельєфів. Однак йому не вдалося закінчити цей пам'ятник, що повинен був з'явитися монументальним прославлянням праці й працюючої людини. Пам'ятник був зібраний лише після смерті скульптора, не в повній відповідності його задуму

Менье був найбільшим майстром демократичного реалізму на рубежі 19 і 20 століть. Більше того, можна говорити про наявність елементів соціалістичного реалізму в його творчості, так само як і у творчості К. Кольвиц. Обоє вони багато в чому намітили шляхи розвитку реалізму в 20 сторіччі. Риси народностей і демократизму, реалістичні тенденції властиві й творчості деяких інших бельгійських художників, зокрема Леонові Фредерику (1856-1940) і ежену Лармансу (1864-1940) у ранній період розвитку їхнього мистецтва (наприкінці 19 в.). В 20 столітті традиції Менье розвиває один з видних майстрів бельгійського живопису - Пьер Полюс (р. 1881).

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архітектура країн Латинської Америки

Архітектура країн Латинської Америки

В архітектурі ряду країн у післявоєнний період зложилися свої національні школи. Зовсім особливі риси придбала архітектура Мексики, майстра якої сміло застосовують національні форми й серед них насамперед мозаїку й розпис, композиційно пов'язані із традиціями древнього мексиканського мистецтва. Мексиканськими архітекторами побудоване університетське містечко в місті Мехіко, що представляють собою єдиний архітектурний комплекс, що складається з ряду споруджень. Особливо цікава будівля бібліотеки (архітектори О'горман, Г. Сааведра, Х.-М. де Веласко, 1956). Призматичний її обсяг повністю покритий величезними килимовими мальовничими композиціями, що перебувають у синтетичній єдності з архітектурною основою

Значний підйом переживає архітектура Бразилії, що створює величезні багатоповерхові урядові будівлі в столиці держави - новому місті Бразилиа. Провідними архітекторами тут є Люсио Коста (р. 1902) і Оскар Нимайер (р. 1907). Незважаючи на технічну досконалість цих будівель, у цілому ряді випадків вони граничать із формалізмом - окремі спорудження і їхні частини мають надумані, нарочито ускладнені обриси. Разом з тим у бразильських спорудженнях враховані особливості місцевого клімату - на фасадах застосовані особливі солнцезащитные пластини, що виступають уперед і надають будівлям своєрідний, «південний» характер. В обробці споруджень застосований також національний декоративний живопис

Великі сучасні спорудження різного призначення створені й в інших латиноамериканських державах - Аргентині, Венесуелі й інших. Однак ці будівлі різко контрастують із непривабливими, забрудненими, трущобными житлами, що заповнюють цілі райони старих міст. Ці контрасти тут, у країнах Південної Америки, досягають особливо більших розмірів

Необхідність ураховувати настрої й національні смаки замовників змусила навіть такого майстра конструктивістської архітектури, як Корбюзье, використовувати національні форми індійського зодчества в столиці штату Пенджаб місті Чандигар, що будується по його проекті. Архітектура останнього включає чисто декоративні мотиви, що зовсім не в'яжуться із загальною спрямованістю творчості Корбюзье.

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архитектура Европейских Стран и Америки Конца 19 — Начала 20 Века. Общая характеристика

Архитектура Европейских Стран и Америки Конца 19 — Начала 20 Века. Общая характеристика.

Несмотря на широкое распространение в архитектуре эклектизма, строительство последних десятилетий 19 века шло по пути дальнейшего технического прогресса.

Конструирование сооружений с активным использованием металлов облегчалось введением в строительную практику, начиная с 1840-х годов, сварочного железа.

После того как в 1856 году был изобретен бессемеровский способ производства стали, архитектура обогатилась еще более прочным, высококачественным материалом.

Уникальным произведением, отразившим успехи строительной техники в конце 19 века, явилась Эйфелева башня высотой 312 метров, построенная к Всемирной парижской выставке 1889 года по проекту инженера Густава Эйфеля. Сооружение это, созданное из изготовленных заранее стальных частей, оказало большое стимулирующее воздействие на дальнейшее развитие строительства и архитектуры.

К той же выставке 1889 года архитектором Дюбером и инженером Коттан-сэном была создана Галерея машин, образованная металлическими фермами плоских заостренных очертаний, начинающимися от земли. Пролет этих ферм был уникальным и равнялся 112,5 метра (галерея была разобрана в 1910 г.). По совершенству инженерного замысла галерея не имела себе равных.

Применение металлического каркаса сделало возможным строительство во второй половине века в Соединенных Штатах высотных зданий — небоскребов. Увеличение этажности зданий было вызвано в основном резким повышением в условиях капиталистической Америки стоимости участков земли в центральных частях крупных городов.

Наряду с металлом во второй половине 19 столетия появляются новые прогрессивные материалы — бетон и железобетон, оказавшие определяющее воздействие на все дальнейшее развитие мировой архитектуры.

Предпосылкой к появлению бетона и железобетона явилось изобретение в начале этого века нового крепчайшего вяжущего вещества — цемента. Он был изготовлен путем смешения тонко молотого известняка и глины, обжига смеси и последующего размола в порошок полученного клинкера.

Начальные попытки создать железобетонные конструкции связаны с именами Уилкинсона и Куанье, они относятся к 1850-м годам. Патент на изготовление первых изделий из железобетона был взят Жозефом Монье в 1867 году. Эту дату можно считать началом «железобетонной эры». Бетон представляет собой результат замешивания цементного раствора с так называемыми инертными материалами — песком, гравием, щебнем. Выдерживая большие сжимающие усилия, бетон вместе с тем хуже сопротивляется растяжению. Для того чтобы устранить этот недостаток, в него вводится так называемая арматура — расположенные в определенном порядке, на основании расчетных данных железные стержни и прутья. Это и превращает бетон в железобетон.

Обладая способностью нести громадные нагрузки, железобетон позволяет вместе с тем придавать ему самые различные формы — применять громадного пролета сводчато-купольные системы (при самых минимальных сечениях), делать сильно выступающие навесы, козырьки, намного уменьшать габариты опорных частей зданий — стен и столбов. Вместе с тем железобетон позволяет упростить и предельно стандартизировать процесс возведения сооружений.

Однако, несмотря на свои достоинства, железобетон стал внедряться в строительство не сразу — в основном лишь с 1890-х годов. В 1900-х годах случаи применения железобетонных конструкций для возведения зданий (главным образом промышленных) стали более многочисленными. Подлинный же размах строительство из железобетона приобрело лишь начиная с 1920-х годов.

Характерно, что первые здания, в которых был использован железобетон, сохраняли традиционную внешность. В архитектуре повторилось то, что имело место ранее с металлом, когда он начал применяться в строительстве. Новый материал воспринимали лишь как подсобное строительное средство, его не осмысливали эстетически. Активное воздействие на архитектурные формы железобетон начал оказывать лишь с 1900-х годов.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Архітектурні плини післявоєнного часу

Архітектурні плини післявоєнного часу

У післявоєнний період архітектура Заходу продовжувала розвиватися, дотримуючись традицій залізобетонного будівництва, які встановилися в другій половині 1920-х і в 1930-х роках. Тоді архітектура придбала в цілому космополітичний характер, національні розходження в архітектурі окремих країн були порівняно слабко відчутні. Тепер, по закінченні другої світової війни, відзначається відома диференціація архітектурних плинів. З одного боку, живе функціонально-конструктивістська «вненациональная» архітектура, з іншого боку - сильно оживилися пошуки нових, чисто національних архітектурних прийомів і засобів

Архітектура космополітичного, функціонально-конструктивістського плану одержала великий розвиток у Сполучених Штатах Америки. Головна мета, що переслідували тут архітектори, - домогтися естетического ефекту шляхом граничної геометризации й лаконічності об'ємного рішення будівель. Полегшений каркас у багатьох випадках майже цілком покривається склом. Зовні це робить сильне враження, хоча нерідко погіршує умови життя й роботи в самій будівлі. Прикладом є величезних розмірів призматичний обсяг будівлі Секретаріату ООН у Нью-Йорку (архітектор Гаррисон, 1948-1953).

Із часом космополітичний напрямок став відмінюватися убік формалізму. Формалистичны, зокрема, пізні роботи стовпа американської архітектури Ф. Л. Райта. В 1958 році їм був створений проект 528-поверхового хмарочоса, так званого «Будинку Миля», висотою в одну милю

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архитектура европейских стран

Архитектура европейских стран.

Стремление к выявлению в современной архитектуре национальных начал проступает не только во внешней характеристике зданий, но и в попытках использовать планировочные принципы строительства прошлого. Наиболее интересный опыт был проделан в этом отношении архитектором О. Перре (см. выше), возглавившим работы по восстановлению после войны крупного французского порта Гавра. Здесь Перре был создан интереснейший ансамбль, состоящий из многочисленных кварталов, объединенных единой магистралью. Все здания были построены из сборных железобетонных конструкций. Столь широкое использование сборного железобетона значительно облегчило и удешевило восстановительные работы.

Технический прогресс, имевший место в 1930-х годах, продолжал успешно развиваться и в послевоенный период. Многое в разработке новых типов железобетонных конструкций сделал, в частности, итальянский инженер-архитектор П. Нерви (р. 1891). Им были созданы на основе принципа — прочность конструкции определяется прежде всего ее формой — многообразные системы железобетонных перекрытий минимального сечения (складчатые своды и купола толщиной в несколько сантиметров при пролетах около 100 м). Именно по такой системе Нерви был построен к Всемирным Олимпийским играм 1960 года Малый дворец спорта в Риме; его купол, предельно легкий и экономичный, в то же время чрезвычайно красив и по своему характеру прекрасно соответствует спортивному назначению сооружения.

Большой интерес в архитектурном и техническом отношениях представляет Дом ЮНЕСКО в Париже, построенный в 1955—1957 годах по проекту группы архитекторов разных стран — М. Брайера (США), П.-Л. Нерви (Италия) и Б. Зер-фусса (Франция). Проект был одобрен советом, в состав которого входили крупнейшие архитекторы — Л. Коста, В. Гроппиус, Ле Корбюзье и другие. В выполнении заказов на отделочные работы приняли участие лучшие строительные фирмы различных государств. Таким образом, Дом ЮНЕСКО явился поистине «международным детищем», и его архитектура отражает высшие достижения современной западной архитектуры.

Здание представляет собой в плане три радиально направленных корпуса, сходящихся в одной точке. Места присоединения корпусов друг к другу закруглены, таким образом с каждой из трех сторон здание воспринимается в виде плавной изгибающейся поверхности, почти сплошь покрытой стеклом и члененной на этажи слегка выступающими галереями. В корпусах размещаются помещения Секретариата. К одному из корпусов присоединен объем зала пленарных заседаний. К зданию примыкают свободные участки, небольшой «японский сад» и стоянки автомашин.

Все здание осуществлено из железобетона, алюминия, пластмасс, стекла. Строители сделали все возможное для того, чтобы подчеркнуть структуру и возможности самих строительных материалов, и, прежде всего, железобетона. Специальная обработка поверхности железобетона позволила выявить его фактуру. Последняя и используется в качестве едва ли не главного средства архитектурного убранства помещений.

При строительстве Дома ЮНЕСКО широко были привлечены монументальная живопись и скульптура, керамика, фотомонтаж. По росписи здания работали П. Пикассо, К. Аппель, Р. Тамайо, над скульптурой — Г. Мур и другие художники. Произведения живописи и скульптуры, помещенные здесь, исполнены почти ' целиком в абстракционистских формах.

Современная архитектура капиталистических стран включает ряд различных течений. Она не была единой в 1920-х и 1930-х годах, не является таковой и сейчас. И все же, несмотря на наличие разного понимания многих вопросов, в творческом сознании архитекторов всех стран преобладало и преобладает стремление к предельной простоте, функциональной оправданности и экономичности композиций, к асимметричным и контрастным архитектурным решениям, к архитектурной выразительности, достигнутой средствами самой конструкции, к использованию новых прогрессивных строительных и облицовочных материалов. Однако специфические условия капитализма побуждают архитекторов во многих случаях становиться на путь оригинальничания и формализма — в угоду соображениям конкуренции и рекламы.

Архитектура Запада предпринимала многочисленные попытки путем строительства снять или смягчить социальные противоречия капитализма, но ни в одном случае они не дали и не могли дать результата. Даже самые большие строительные мероприятия, проводимые в буржуазных государствах, были ничтожны по сравнению с реальными потребностями миллионных масс населения. Капиталистические города являют резкий контраст между благоустроенным, парадным центром и трущобными районами.

Технический прогресс в области строительства привел к созданию в странах Запада большого числа интересных сооружений, но он не мог быть использован в широких масштабах. Самые прогрессивные сборные железобетонные конструкции не получили большого распространения в капиталистических странах. Подлинно неограниченные возможности в отношении применения новых совершенных современных конструкций существуют лишь в странах социализма, где архитектура приобрела поистине всенародный характер.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Пуризм

Пуризм

В 1918 році з'явився маніфест «пуризму» - книга художника Амеде Озанфгша (р. 1886) і швейцарця-архітектора Шарля Едуарда Жаннере (Ле Корбюзье, р. 1887). Основне положення пуристів полягало у вимозі виражати «загальне, статичне, незмінне», ґрунтуючись на геометричному принципі кубізму. Пуризм використовував систему геометризации пластичної форми для створення мальовничих добутків, тісно пов'язаних з конструктивізмом в архітектурі, одним з головних представників якого був той же Корбюзье. Їхні прийоми були призначені, по суті, лише для монументального мистецтва - панно, декоративних фризів - і знайшли широке застосування саме в цій області. Кращі результати їхніх пошуків позначилися, наприклад, у гобеленах, витканих по картонам Корбюзье й Жана Люрса (р. 1892).

Фернан Леже. Відомим майстром, близьким до пуризму, був Фернан Леже (1881-1955). На початку 20-х років Леже відійшов від кубізму й виробив власну систему, що зложилася після його поїздки в Італію й вивчення класичного живопису Ренесансу. У його творчості 1920-х і 1930-х років виражені пошуки стійких закономірностей на противагу кубофутуристическому розкладанню форми. Однак ці пошуки ґрунтуються на ідеалістичному поданні про панування машинної естетики над органічними формами в сучасному житті, і образ людини здобуває в роботах Леже механізованої, позбавленої життєвої органічності характер. Леже підкреслює об'ємність предметів, по застосовує для цього умовний прийом, що надає зображенню механічний характер, як якби людська фігура складалася з металевих труб і куль. Він строго стежить за збереженням відчуття площини стіни або полотна, не дозволяючи об'ємній формі порушувати або проривати цю площину. Характерними роботами Леже є його «Жінка з вазою» (1927) або «Натюрморт із парасолем» (1932). Леже використовує ясні, чисті плями спектральних тонів, сполучаючи їх з допоміжними чорними, сірими й білими, настільки ж чіткими плямами. Особливо ясно його система позначається у вітражах і інших монументально-декоративних роботах

Леже, що належав до революційно настроєних кіл інтелігенції, активно виступав на захист миру. Одна з його робіт останнього періоду - «Будівельники» (1950, Біот, Музей Леже) - показує прагнення художника повернутися до великої теми зі складним соціальним змістом. В 1945 році Леже вступив у Комуністичну партію Франції

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Французьке Мистецтво Середини й Другої Половини 19 Століття. Академічний живопис

Французьке Мистецтво Середини й Другої Половини 19 Століття. Академічний живопис

Прогресивне мистецтво Франції протягом усього 19 століття розвивалося в боротьбі з офіційним академічним напрямком. У роки Другої імперії цей напрямок придбав деякі нові риси й одержало назву салонного мистецтва (представники цього напрямку займали господствующзе положення в художніх салонах). «Салонні» художники, що пристосовувалися до смаків і запитів процвітаючої буржуазії, насаджували в мистецтві пишність, еротику, поверхневу розважальність і зовнішню віртуозність. Їхні декоративні розписи, що виконувалися для споруджуваних суспільних будівель, свідчили про еклектичність і повний занепад монументального мистецтва (наприклад, розпису Бадьори для будівлі Опери). Особливою популярністю в буржуазного глядача користувалися картини Бугро й Кабанеля, що зображували у вигляді флор, венер і німф оголених натурниць. Історичний і батальний живопис Франції переживав кризу. Вона розвивалася по шляху Делароша, а не Делакруа. Над усе художники ставили цікавість, вибираючи різні ліричні або драматичні епізоди з життя історичних особистостей. Багато хто з них відверто прославляли військові успіхи Наполеона III (Детайль, Ивон).

Типовим представником історичного живопису Другої імперії був Мейсонье (1815-1891). Він придбав популярність не стільки своїми полотнами, присвяченими Наполеонові I і Наполеонові III, скільки написаними зі скрупульозною старанністю невеликими жанровими картинками з минулих часів. Ці сценки, неглибокі за задумом, що відтворюють головним чином зовнішню сторону подій, відрізнялися точною передачею обстановки й костюмів, що забезпечувало ним постійний успіх у відвідувачів виставок

Значний розвиток в 1850- 1860-е роки одержав салонний, переважно жіночий портрет. Більші по розмірах, що передають із віртуозним блиском фактуру тканин, мереживо, коштовності, ці портрети майже не стосувалися духовного миру моделей. Більше змістовні чоловічі портрети, зокрема портрети Бонна (1833-1923), на яких він зображував державних діячів, письменників

Успіхи реалізму не залишалися непоміченими представниками академічного напрямку. Вони намагалися пожвавити своє мистецтво, запозичаючи деякі сторони й прийоми реалізму, але правду вони заміняли правдоподібністю, створювали сурогат реальності, фіксуючи лише зовнішні її сторони. Так зароджувався у французькому мистецтві натуралізм, ворожий демократичному реалізму

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архітектура після другої світової війни

Архітектура після другої світової війни

Друга світова війна мала ще більш згубні наслідки, чим перша. Були зруйновані цілі міста й міські райони, незліченна кількість будівель. Так само як і по закінченні війни 1914-1918 років, виник найгостріший недолік жител

У цих умовах починаються відбудовні роботи. Робляться спроби до відомого ступеня впорядкувати сумбурну забудову капіталістичних міст і по можливості розвантажити переущільнені центральні райони від надлишкового населення. Житлове будівництво велося тепер головним чином у вигляді житлових комплексів і селищ, розташованих за межами міської риси. Розміри цього будівництва набагато перевершували досвід 1930-х років

Житлове будівництво. Значні масштаби придбало будівництво жител в Англії. Був прийнятий проект реконструкції Лондона, відповідно до якого починаючи з 1947 року навколо міста в радіусі 30-50 кілометрів побудували вісім міст-супутників. У них розселили більше 160 тисяч чоловік. Однак це не могло зробити нормализирующего впливу на сам Лондон, крім того, забудова його периферії й після цього тривала стихійно.

Створені навколо Лондона міста-сателіти цікаві по своєму плануванню. По перевазі двоповерхові будинки розміщені навколо відгалужень вулиць і скверів, ізольованих від магістралей; у ті місця, де перебувають будинку, не проникає шум вуличного руху. Навколо - зелень; крім міського озеленення є квартирні садки. У кожному з житлових районів існують обслуговуючі установи, відстань до яких від житлових будинків не перевищує 6-7 мінут ходьби. Однак ці зразкові поселення, як би порівняно великі вони не були, - все-таки виключення на загальному тлі капіталістичної забудови. Надзвичайно висока квартирна плата унеможливлює розселення в них трудящих з невеликим заробітком

Удале планування й архітектура лондонських міст-супутників у значній мірі пов'язана з тим, що в Англії ще із середини 19 століття існували традиції малоповерхового будівництва. Тут раніше було почато багато цікавих спроб виробити тип малоповерхового будинку - котеджу, скромного по своєму вигляді й удобгю спланованого

Подібно Англії, ряд невеликих міст виник біля Стокгольма, Хельсінкі. Дуже цікаві городки - Веллинбю (Швеція) і Тапиола (Фінляндія). Розташовані в горбкуватих місцевостях, серед лісу, вони володіють вільним мальовничим плануванням

У районі Парижа створений ряд нових житлових комплексів - Нантер, Рюель-Мальмезон і інші, де будинку різної висоти поєднуються великими внутріквартальними ділянками, добре упорядженими й озелененими, з вартими в їхніх межах павільйонами обслуговуючих установ - магазинами, кафе, приміщеннями представників окремих фірм

Архітектура нових житлових комплексів у закордонних країнах дуже сучасна - конструктивна й вимоглива у своїй простоті. Обертає на себе увага висока технічна якість будівельних робіт, застосування нових прогресивних матеріалів, активне введення кольору в зовнішнє оздоблення будинків

Для споруджуваних у цей час житлових будівель характерна перевага малометражних квартир, розрахованих на одну родину. Економічні міркування примушують гранично обмежувати висоту приміщень (у США мінімально припустимий розмір становить 2 м 28 див). Квартири для малосімейних розміщаються звичайно в башнеобразных (гак називаних «крапкових») будинках, квартири з декількома кімнатами - у чотирьох-п'ятиповерхові будівлях

Але в цілому розміри нового житлового будівництва в капіталістичних державах обмежені, і воно не в змозі знищити гострої житлової кризи, що існує в містах. Важким вантажем на плечі населення падає надзвичайно висока квартирна плата, у середньому складова від 25 до 30 відсотків заробітку робітників і службовців

Не були зняті в післявоєнний період і органічні недоліки капіталістичного містобудування. Відбудовні роботи розтяглися на довгий час. При відсутності планового початку в будівництві відбувається процес безсистемного розповзання міст і нерідко злиття їх між собою з утворенням нових суспільних і торговельних вузлів

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Изобразительное Искусство Германии и стран Центральной Европы в первой половине 18 Века. Живопись

Изобразительное Искусство Германии и стран Центральной Европы в первой половине 18 Века. Живопись.

Широкое развитие получила также монументально-декоративная живопись, следовавшая в основном примеру росписей Тьеполо. Антон Франц Маульперч. Наиболее значительным мастером барочной фрески в Средней Европе был австриец Антон Франц Маульперч (1724—1796). К числу лучших его работ относятся росписи церкви пиаристов в Вене и особенно фрески в маленькой церкви в Шюмег в Венгрии (1757), созданные в период расцвета его творчества. Они отличаются виртуозным мастерством передачи сложных пространственных эффектов, живостью движения фигур, звучностью колорита и большой композиционной изобретательностью.

Бальтазар Деннер. Существенно отметить, что реалистическая струя в живописи этого периода была более всего представлена мастерами буржуазного портрета. В Германии в этом жанре наиболее плодотворно работал гамбургский живописец Бальтазар Деннер (1685—1749). Он с особой любовью писал пожилых людей с морщинистыми лицами. Примером его правдивой, но несколько суховатой и чрезмерно детализированной манеры может служить «Портрет старушки» (Эрмитаж).

Ян Купецкий. Сильнейшим портретистом Центральной Европы первой половины 18 века был словацкий живописец Ян Купецкий (1667—1740). Купецкий учился и прожил 24 года в Италии. В 1709 году он вернулся на родину и работал в Вене, в Чехии и в Венгрии. С 1725 года до конца жизни он работал в Нюрнберге. На его мастерстве заметно воздействие изучения венецианцев и карава-джистов, в частности сказавшееся в его портретах различных лиц с музыкальными инструментами.

Для Купецкого характерны непреклонная верность изображения, внутренняя простота и ясность индивидуальной характеристики, мастерство светотеневой передачи освещения и пластической формы. Примерами его портретных работ могут служить «Автопортрет с кистью в руке» (1711) и «Портрет семьи художника» (оба — Будапешт, Национальный музей). Своеобразное исключение в творчестве Купецкого представляет «Воин-куруц» (Будапешт, Национальный музей), портрет-картина, в котором герой представлен в состоянии порыва и который по традиции связывается с повстанческим движением венгров против власти Габсбургов. В 1711 году Купецкий написал в Карловых Варах портрет Петра I, который широко распространился во множестве копий в странах южных славян.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Античне Мистецтво. Егейське Мистецтво

Античне Мистецтво. Егейське Мистецтво

Археологічні відкриття останньої третини 19 і 20 вв. виявили древню культуру (епохи бронзи) на материковій Греції, островах Егейського моря й на березі (західному) Малої Азії, так звану «егейську» культуру. Назва це чисто умовне, географічне. В області Егейського моря досліджено кілька районів зі своєрідними культурними рисами й разом з тим зв'язаних між собою, що переплітаються друг сдругом.

Головними свідками життя цього періоду є пам'ятники речовинні. Егейські написи лише недавно почали розшифровуватися, вони допомагають визначити етнічне походження найдавніших мешканців Греції й островів

Найбільш значна група пам'ятників егейського мистецтва виявлена на о. Криті й у Пелопоннесі (у Микенах і Тиринфе). Ці центри й будуть розглянуті нижче як найбільш яскраві й виразні. Розкопки на Криті почав археолог А. еванс, що і встановив періодизацію й хронологію критської культури. Хронологічному визначенню допомогли точно датовані пам'ятники Древнього Сходу, що зустрічаються разом з пам'ятниками Криту. еванс назвав критську культуру «минойской» по ім'ю легендарного царя Миноса, що царював, відповідно до грецького міфу, на Криті, і визначив три археологічних періоди:

1. Раннеминойский - 3 тисячоріччя до н. е.

2. Среднеминойский - перша половина 2 тисячоріччя до н. е.

3. Позднеминойский - друга половина 2 тисячоріччя до н. е.

Крім того, кожний з періодів підрозділяється на три подпериода: РМ I, РМ II, РМ III, СМ I, СМ II, СМ III, ПМ I і т.д. За зразком періодизації еванса тепер створена періодизація культури на території Греції

Греція й острови були заселені вже в епоху неоліту, протягом 3 тисячоріччя відбувався процес розкладання первобытнородовых відносин, і до кінця тисячоріччя складається на Криті рабовласницьке суспільство. Раніше інших значним культурним центром в епоху бронзи стає Крит, трохи пізніше, у середині 2 тисячоріччя до н.е., Микены й Тиринф, населені грецькими ахейскими племенами

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Реализм в западноевропейском искусстве в период между первой и второй мировыми войнами

Кассетные кондиционеры Daikin Gree. .

Объявления о продаже новых и бу мопедов ремень на скутер цепной

scooter77.ru

Реализм в западноевропейском искусстве в период между первой и второй мировыми войнами.

Под влиянием тяжелых и драматических переживаний первой мировой войны и революционных событий конца 1910-х и 1920-х годов значительная часть западноевропейских художников в поискахвыражения демократических идей в своем творчестве обращается к реализму. Во Франции в эти годы выделяется творчество Андре Дюнуайе де Сегон-зака (р. 1884). Правда, в его живописных произведениях, написанных густой, пастозной манерой, фигуры зачастую начинают расплываться. Однако в пейзажах, как, например, «Прованс» (1932, Нью-Йорк, собрание Кларк), и в его многочисленных офортах действительность выступает неискаженной, увиденной художником, чутким к естественным отношениям природы и мастерски передающим движения человеческих фигур.

Марселя Громера (р. 1892), вернувшегося с войны, привлекали образы солдат и крестьян, поэзия современного города. Его картина «Война» (1925) дает стилизованное изображение людей в окопе — суровых, массивных и застывших в ожидании как каменные глыбы. «Фламандский косарь» (1936) исполнен в том же плане, но отличается большей жизненностью. «Новый мост» (1955, Париж, Муниципальный музей современного искусства) рождает ощущение монументальности городского пейзажа, обладает звучной красочностью и эмоциональностью. В картинах Ива Аликса (р. 1890) звучат ноты социального обличения буржуазии, идущие от Домье. Примером его работ может служить картина «Судья» (Москва, ГМИИ). В произведениях Мориса Асселена (р. 1882), например в его «Девушке в белом» (Париж, Малый дворец), и в гармоничных пейзажах Пиренеев Ролана Удо (р. 1897), написанных в красивой гамме серых и песочных тонов, реализм изображения мира выступает во всей полноте при новизне и самостоятельности живописных приемов, опирающихся более всего на наследие Сезанна.

Франс Мазереель. Новые веяния более всего проявились в творчестве бельгийца, живущего во Франции, Франса Мазерееля (р. 1889), крупнейшего мастера европейского прогрессивного искусства. Искусство Мазерееля привлекает высоким гуманизмом, боевым пылом в отстаивании демократических идей, богатым и ярким образным языком и художественным темпераментом.

Гравюры и рисунки Мазерееля оказали большое влияние на многих прогрессивных графиков нашего времени. Реализм Мазерееля носит новый, своеобразный характер. Художник прибегает к смелым метафорам и символам. Характеристику образа он заостряет порой до сатиричности.

Первые его выступления с политическими антивоенными социально-критическими рисунками в газете «Ла Фей», издававшейся в Швейцарии в 1917—1920 годах, положили начало творческой зрелости Мазерееля. В 1918 году появляется первая серия обрезных гравюр на дереве «Страдания человека» (25 листов), которой открывается излюбленный жанр работ Мазерееля — гравюро-роман. В этом первом цикле художник прослеживает судьбу рабочего человека, познающего через труд и несчастья свое место в классовой борьбе (плл. 287). Та же тема в различных вариантах звучит в серии «Мой часослов» (167 листов, 1919), в социально сатирических, необычайно заостренных сериях «Солнце» (63 листа, 1919), «Идея» (83 листа, 1920) и «Город» (100 листов, 1925).

В 1925—1927 годах появляются графические циклы Мазерееля к «Жану Кристофу» Ромена Роллана и к «Тилю Уленшпигелю» Шарля де Костера, являющиеся замечательными образцами книжной иллюстрации.

Гневным откликом художника на начавшуюся вторую мировую войну был его цикл рисунков «Пляска смерти» (25 рис., 1941), обладающих высоким трагическим пафосом обличения фашизма. Надежды на светлое будущее после разгрома фашизма выразились в светлой, оптимистической серии гравюр «Молодость» (22 листа, 1948). В работах, созданных в 50-е годы, Мазереель призывает человечество не забывать о перенесенных страданиях и бороться за сохранение мира. В 1956 году он создает серию гравюр «Моя страна» (100 листов), в которой поэтично выражена любовь к родине, к людям мирного труда, чьими усилиями созданы замечательная культура и искусство Бельгии.

Монументальная по характеру, единая по настроению с его графикой, живопись Мазерееля развивается более всего в период 1927—1932 годов, когда он пишет рыбаков и порты района Булони — «Булонский порт» (1928), «Светловолосый матрос» (1932). В 1935 и 1936 годах Мазереель дважды посещает СССР. К этому периоду относится его картина «Красная площадь» (Москва, ГМИИ), написанная с романтическим подъемом, а также многие рисунки. С впечатлениями об этой поездке в значительной мере связан цикл гравюр «От черного к белому» (57 листов, 1939). В послевоенные годы художник создает картины, внутренне родственные серии «Молодость», такие, как «Девушка со снопом» (1945) и «Сидящая цыганка» (1952). Драматический мотив снова возникает в живописи Мазерееля в картине «Несчастный случай» (1953), однако в трактовке образов и здесь сохраняется вера в красоту и силу простого человека.

В нашей стране неоднократно устраивались выставки работ Мазерееля, и многие его произведения хранятся в советских художественных коллекциях.

Отто Нагель. Художники, связанные с рабочим классом, обогатили реалистическое искусство Германии новыми творческими завоеваниями. Среди тех, кто посвятил свое творчество изображению немецкого пролетариата, наибольших успехов добился Отто Нагель (р. 1894). Выходец из рабочей среды, он на всю жизнь остался художником рабочего класса. В 20-е годы Нагель создает картины, правдиво запечатлевшие жизнь рабочего района «Красного» Веддинга немецкой столицы. Острой социальной выразительностью отличаются также и такие его работы тех лет, как «Скамья в парке» (1926, Национальная галерея, Берлин), «Утренняя смена» (1930, Дрезденская галерея), с их подчеркнутой резкостью пластических форм и тяжеловатой гаммой темных тонов, придающих картинам драматический характер. Наступление фашизма с начала 30-х годов вызывает в живописи Нагеля появление образов борющегося пролетариата — «Вооруженные рабочие» (1931, картина уничтожена фашистами вместе с другими работами Нагеля). В годы второй мировой войны Нагель пишет потрясающе трагические городские пейзажи рабочих кварталов Берлина — пастель «Берлин горит» (1942, Меркишес музеум, Берлин), «За Николаевской церковью» (1943, собственность города Берлина). После освобождения от фашизма Нагель становится одним из крупнейших деятелей художественной жизни Германской Демократической Республики. Он работает много и плодотворно, создавая образы новых людей своей родины — «Рабочие-студенты» (1950, правительство земли Бранденбург), «Портрет писателя Бсрнгарда Келлермана» (1949, Культурный фонд, Берлин) и др. В этих его новых работах начинают звучать светлые, радостные ноты.

Нагель был одним из организаторов революционной художественной общественности Германии в 30-е годы, неоднократно посещал Советский Союз, подвергался гонениям и заключению в концлагерь во время гитлеровского режима.

Другим выдающимся представителем демократического лагеря в немецком искусстве является Джон Хартфильд (р. 1891) — создатель и крупнейший мастер фотомонтажного политического плаката, многочисленные произведения которого до наших дней остаются непревзойденными, классическими образцами этого жанра искусства 20 века.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Культура й мистецтво Передньої Азії 2 тисячоріччя до н. е. Мистецтво Древнього Закавказзя

Культура й мистецтво Передньої Азії 2 тисячоріччя до н.е. Мистецтво Древнього Закавказзя

Культура племен і народів, що жили до півдня від Великого Кавказького хребта в долині ріки Риона й Куро-Аракском двуречье, початку розвиватися в далекій давнині, в 4-3 тисячоріччях до н.е. Але найбільш ранні з відомих пам'ятників образотворчого мистецтва й архітектури ставляться до епохи міді й бронзи, тобто до 3-2 тисячоріччям до н. е.

Для архітектури Закавказзя характерне спорудження навколо поселень потужних кріпосних стін циклопічної кладки, що було викликано безперервними війнами через худобу й пасовища. Житлові будинки зводилися із цегли-сирцю й дрібного каменю

Найцікавіші пам'ятники образотворчого мистецтва дійшли від епохи бронзи, 2 тисячоріччя до н. е.

Кургани Триалети й Кировакана. Прекрасними зразками добутків середини 2 тисячоріччя до н.е. є предмети, знайдені в курганах племінних вождів у Триалети (Грузія) і в Кировакане (Вірменія). Там виявлені глиняні обпалені посудини, золоті й срібні кубки й чаші. Керамічні посудини були всілякими: типу амфор, чорні з лощеной блискучою поверхнею й різьбленим орнаментом, червоні із чорним розписом, а також покриті ангобом кремового кольору й бурою розписом геометричного характеру

Крім кераміки, у курганах Триалети й Кировакана відкрито багато виробів з дорогоцінних металів, що відрізняються високими художніми якостями, що є предметами не тільки торевтики, але й тонкої ювелірної майстерності

Торевтика Закавказзя. Серед золотих і срібних чаш і кубків виділяється масивний золотий кубок, прикрашений вставними сердоліками, пастою, що імітує бірюзу, і тонкою філігранню (Тбілісі, Державний музей Грузії). Слід зазначити також срібні посудини (Тбілісі, Державний музей Грузії): кубок на невисокій ніжці, покритий карбованими зображеннями сцени жертвоприносини й низки оленів і цебро із зображеннями різних диких звірів - гірських козлів, сарн, кабанів, оленів серед кущів і дерев. Фігури тварин передані дуже безпосередньо, хоча й узагальнено, вільно вписані в пейзаж. На цих посудинах, безсумнівно, видно вплив культури хетського кола

Майстри-Металурги Закавказзя виготовляли із бронзи предмети озброєння, прикраси, частини кінських уборів і предмети, пов'язані з культом: мечі, кинджали, наконечники копій, бронзові пластинчасті пояси, різноманітної форми підвіски, браслети, поясні пряжки, шпильки, псалии кінських вудив і т. п.

До кінця 2 тисячоріччя до н.е. у Закавказзя були прекрасно освоєні не тільки виплавка металів, їхнє карбування й гравірування, але й лиття предметів у воскових формах - складний процес, шляхом якого створене переважна більшість знайдених предметів із бронзи

Умілі майстри мистецьки декорували вироби із бронзи, наносячи на їхню поверхню найтонші гравіровані зображення - орнамент, фігури тварин і людей, об'єднані часто в складні композиції, а також застосовували для прикраси бронзових предметів інші метали, дерево й кістка

Більшу роль у розвитку культури й мистецтва Закавказзя цього періоду зіграло зміцнення зв'язків з державами Передньої Азії й, головне, включення на початку 1 тисячоріччя до н.е. південних районів Закавказзя до складу одного з переднеазиатских держав - держави Урарту

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.

Архитектура европейских стран середины и второй половины 19 века. Общая характеристика развития архитектуры 19 века

Архитектура европейских стран середины и второй половины 19 века. Общая характеристика развития архитектуры 19 века.

Развитие западноевропейской архитектуры в первой половине 19 века характеризовалось постепенным отходом от стиля классицизма и широким использованием эклектического метода.

Изменившиеся под воздействием крепнувшего капитализма условия жизни, появление новых типов зданий, усложнение планов сооружений поставили перед архитектурой новые задачи. Классицистическая система с ее ордерной регламентацией пропорций стесняла, ограничивала дальнейшее развитие архитектуры; во многих случаях она противоречила усложнившимся требованиям функционального порядка. Кроме того, в европейских странах, сбросивших с себя иго наполеоновской Франции, пробудились сильные националистические тенденции. Все это привело в области архитектуры к стремлению выработать иные, чем ранее, архитектурные формы, опирающиеся на местны. е национальные художественные традиции.

Стремясь создать новый стиль, архитекторы обращаются к так называемым историческим стилям, пытаются использовать присущие им формы в современных сооружениях. Однако воспринятые поверхностно, готика, ренессанс, барокко и другие стили, взятые в отдельности или смешанные друг с другом, не могли послужить основой нового оригинального стиля. Они способны были лишь внешне в той или иной степени имитировать архитектуру прошлого.

Характерно, что обращение к культуре минувших эпох имело место также в изобразительном искусстве и литературе того времени.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Античное Искусство. Эгейское Искусство. Позднеминойский период. Вторая половина 2 тысячелетия до н. э

Античное Искусство. Эгейское Искусство. Позднеминойский период. Вторая половина 2 тысячелетия до н. э.

Скульптура малых форм. Искусство позднеминойского I периода развивается по пути, наметившемуся в средне-минойский III период. Все сказанное о характере изображений на сосудах из Агиа-Триады приложимо также к таким пластическим произведениям, как «Адорант» из Тилиси, молящаяся женщина, голова быка из черного камня, статуэтка из слоновой кости, изображающая акробата, прыгающего через быка. Все эти произведения, так же как и быки на кубках из Вафио, свидетельствуют об овладении тонкостями моделировки, о дальнейшем развитии реалистического направления. Керамика и живопись. Особое развитие в позднеминойском I периоде получают сюжеты на фресках и вазах из жизни моря. Характерной для так называемого «морского» стиля является ваза с осьминогом из Гурнии. Отдельные детали тела животного схематизированы, но поразительно живо схвачено движение морского хищника. Таким же умением передать самое характерное в движении морских обитателей отличается и фрагмент фрески из Филокопи (остров Мелос) с летающими рыбами.

В искусстве позднеминойского II периода намечаются изменения в стиле. Может быть, Кносс был захвачен пришельцами из Греции (ахейцами). Позднеминойский II период оставил нам ряд ярких художественных памятников, свидетельствующих о том значении, которое приобретает Кносс как крупнейший центр острова. Владыки Кносса богато отделывают свой дворец; многие помещения заново украшаются. В убранстве комнат важное место занимает стенная роспись. Роскошь обстановки, яркое оформление внутренних помещений говорят о богатстве и значительности Кносса.

Сохранившиеся фрагменты фресок раскрывают нам характер критской живописи в эту эпоху.

Изображение человеческой фигуры и животных еще всецело соответствует тем художественным принципам, которые развивались в предыдущие столетия, т. е. точно передается движение, но сохраняются и некоторые условности: изображение глаза дается в фас при профильном положении лица, фигуры мужчин окрашены в темные тона (коричневый цвет), женщин — в светлые (белый, желтоватый). Выразительно охарактеризовано движение юноши, несущего ритон, шагающего принца, акробатов с быком. Тонкое чувство декоративного эффекта проявляется в подборе сочетаний красновато-коричневого, ярко голубого и желтого в фигуре юноши с ритоном, голубого и пурпурного на платье дамы, прозванной «Парижанкой».

Росписи рассказывают о придворной жизни Кносского дворца, утверждают величие владыки, его богатство, власть.

В позднеминойский II период был отделан в западной части дворца тронный зал с тронным креслом из камня (алебастра), скамьями для старейшин. Стены зала расписаны в виде широкого фриза: по сторонам трона и на боковых стенах изображены симметрично лежащие на берегу реки два грифона, как бы охраняющие владыку. Фигуры этих фантастических чудовищ и стилизованные цветы на берегу трактованы декоративно.

Керамика, вазы «дворцового» стиля. Изменяется и характер росписи ваз. Новый стиль украшения сосуда получил название в науке «дворцовый» стиль. Большие вазы украшались темным рисунком, выделяющимся на светлом фоне. Обычно это стилизованные цветы или морские мотивы. Роспись всегда подчинена форме сосуда, каждая часть рисунка как бы подчеркивает его архитектонику.

Позднеминойский III период (14—12 вв. до н. э.) является временем разложения критской культуры. Искусство Крита — это искусство, развивавшееся и процветавшее преимущественно в рамках дворцовой культуры. С разрушением дворцовых центров, вероятно, в результате военных действий погибли и мастерские керамистов, живописцев, скульпторов, создавших там в течение веков крепкую художественную традицию.

Искусство утратило свой прежний характер, свою реалистическую тенденцию в передаче живого мира. Теперь ярко проявляется схематизация в изображении людей, животных и растительного мира. Хотя сюжеты и повторяются, например, изображение женщин в платьях с широкими юбками или коровы с теленком (саркофаг из Гурнии), но совершенно иначе трактуется натура. Профессиональное мастерство здесь совсем утрачено.

Исчезают произведения живописи, остается лишь мелкая пластика и обильный керамический материал. Среди ваз этого периода преобладают сосуды микенского типа по форме и технике со схематизированным изображением растительного и морского мира.

Позднеминойскому периоду одновременно соответствует расцвет ряда поселений на материковой Греции, которые и становятся ведущими культурными центрами в Эгейском бассейне.

История изобразительного искусства. Ссылка на www.nitpa.org - «Всемирное наследие литературы, истории, живописи» приветствуется.

Первісне мистецтво. Мистецтво епохи заліза

Нанесення на кружки

цікаве від агентства

Первісне мистецтво. Мистецтво епохи залоза

Останній період розвитку первіснообщинного ладу пов'язаний з появою заліза (початок 1 тисячоріччя до н.е.). Це новий підйом у розвитку техніки й металургії. У тих районах, де немає ще класових об'єднань, залізний вік збігається з періодом військової демократії, з останнім етапом первіснообщинної формації. У суспільстві відбувається подальше майнове розшарування. З'являється патріархальне рабство, утвориться племінна аристократія. Зв'язок між окремими племенами, здійснювана раніше шляхом міжплемінного обміну, у цю епоху починає приймати інші форми. Для цього періоду характерні війни - грабежі, що виникають на економічному ґрунті. Під час військових подій на чолі плем'я вставав військовий керівник, що прагнув зберегти свою владу й у мирний час

У Західній Європі найбільше яскраво залізний вік представлений Гальштатской культурою (місто Галыптат, Австрія). Культура ця була поширена в Центральній і Південній Європі приблизно в 10-5 вв. до н.е. Носії Гальштатской культури створили дуже своєрідну за формою й орнаментацією керамікові: посудини різноманітної форми покривалися врізаним по лощеной поверхні суцільним геометричним орнаментом, що іноді затирався фарбою. Такий чіткий і складний геометричний орнамент, що складається переважно з ромбів, дотепер не зустрічався в Західній Європі. Деякі з посудин додатково були прикрашені скульптурними фігурками тварин, птахів, людей. Фігурки ці мають спрощені, примітивні форми, з ледь дотриманими пропорціями. Майже так само вирішена дрібна пластика. У невеликого розміру бронзових фігурках, статичних і умовних, іноді з'єднаних у целую композицію, завжди видні прийоми примітивного ліплення із глини

Гальштатская культура створила ще одну групу оригінальних пам'ятників прикладного мистецтва. Це гравіровані срібні цебра (ситулы), імовірно, ритуального призначення. Гравіруванням покривалася верхня частина посудини, це були досить реалістичні зображення сільськогосподарських сцен, сцен бенкету, окремих груп воїнів і тварин

На території колишнього СРСР у період залізного віку була поширена скіфська культура, про яку доцільніше говорити в главі, присвяченої мистецтву Північного Причорномор'я в античну епоху

Підводячи підсумки короткому огляду розвитку первісного мистецтва, ми бачимо, що воно було початком зовсім нового, образного освоєння дійсності. З перших кроків образотворче мистецтво допомагало людині знайомитися з нею. Навколишню людину мир знаходив своє відбиття в реальних образах. Первісне мистецтво з'явилося основою мистецтва ранніх класових держав: Древнього Сходу, античного миру й середньовічної Європи

Історія образотворчого мистецтва. Посилання на www.nitpa.org - «Всесвітня спадщина літератури, історії, живопису» вітається.